Javier Botet: Pichón de Monstruo por Nicolas Lasaigues

Quién es quién

Javier Botet es uno de esos personajes extraños que seguramente viste en más de un film, pero no tenés idea de haberlo hecho siquiera.

En el año 2005 estaba haciendo un curso de Fx y se ofreció al profesor para que lo emplee, dada su particular fisionomía. Así consiguió el papel del humanoide en la cinta Bajo las aguas tranquilas (Beneath Still Waters, 2005).

Pero el papel que lo lanzó a la vista del público masivo llegó dos años después. Fue en realidad un rol pequeño y bajo la dirección de Jaume Balagueró y Paco Plaza, Javier dio vida a la niña Medeiros en REC (Rec, 2007).

Este muchacho, que el pasado mes de julio cumplió los 37 años, accedió a las preguntas de este admirador. Así que vamos a lo que realmente les interesa.

Ping-pong de preguntas y respuestas

A pesar de ser una figura internacional te mantenés humilde ¿Qué contratiempos te trajo la fama? (Además de ser atosigado por un grupo de fanáticos argentinos).

No noto ningún contratiempo. A veces me para algún aficionado para halagarme, alguna foto, algún mail, pero pocas cosas. El trabajar normalmente bajo tanto maquillaje me mantiene en un nivel de bajo reconocimiento directo. Es agradable que de vez en cuando me reconozcan, mas no sé cómo sería de agradable o incómodo.

El pasado es historia

Don J estudió Bellas Artes (se recibió en el 2001) y es un gran ilustrador. Pueden ver algunos de sus trabajos en su blog www.botetart.blogspot.com (hace rato que no sube nada, pero de todas formas se puede apreciar que el tío tiene talento).

Tenías 21 años cuando ganaste el premio Nacional de Cómic. Al año siguiente, obtuviste el primer accésit del premio nacional INJUVE ¿Cómo imaginabas tu futuro en aquel momento?

No fue "EL premio Nacional", sino "un premio nacional", o "algún que otro premio nacional".

Siempre, desde pequeño sentí que a niveles creativos me encontraba capacitado para destacar y me hacía feliz cualquier tipo de materia artística. Es por lo que más agradecido estoy: Por saber lo que me gusta y poder ganarme la vida con ello.

Ilustraba y empecé a dibujar para editoriales y algunas empresas de diseño o animación. Pero, en mi tiempo libre, siempre dedicaba algún momento a rodar mis cortos con amigos.

Nunca tuve claro en qué materia concreta sería, pero sí que me iría medianamente bien. Desde pequeño he tenido mucha autoestima a nivel artístico debido a la constante respuesta positiva de mi entorno.

Los años que escribiste y dirigiste tus proyectos (El cortometraje Star Love en el 2010 y uno de los episodios en “Al final todos mueren” en el 2013) fueron también tus temporadas más activas ¿cómo balanceaste tu vida para poder hacer todo?

Perdemos mucho tiempo, de hecho yo pierdo mucho tiempo. Si haces algo cuando surge el impulso de hacerlo tienes una energía y una frescura que suele funcionar, al menos a mí me funciona. La mayor cantidad de las cosas que he hecho han carecido de preliminares y eso hace que me ocupen poco tiempo, pero todo lo audiovisual suele parecer eterno al quedar ahí para siempre. Así que, en realidad, parece que he hecho muchas cositas entre ilustración, cortos y demás, pero no es así. Lo que pasa es que mucha gente hace menos todavía.

Javier, detrás del espejo

Después de la notoriedad que obtuvo por su papel en REC y sus secuelas, logró ingresar a la meca del cine occidental. Así es como participó en Mamá (Mama, 2013) y Crimson Peak (en postproducción actualmente y sin título aún en español).

¿Es Hollywood, realmente, una picadora de carne o disfrutaste y recomendás la experiencia?

Bueno, hoy en día, el 60 % de las películas de Hoollywood se ruedan afuera (De EE. UU.). Allí se incuba y se exporta el rodaje por razones económicas, así que es muy fácil tener una carrera larga y productiva visitando tan solo 10 minutos el Hollywood real. En cuanto a ese espíritu, solo puedo decir cosas buenas. Se trabaja como maquinas, hay dinero y orden para hacer que todo llegue a buen puerto en la fecha correcta, o para minimizar cualquier percance del proceso. Uno se siente más cómodo y protegido. Ojalá aquí, en España, se respetase y entendiese tan bien la industria.

Si pudieras, ¿cambiarías alguna de las decisiones que tomaste sobre tu carrera profesional?

Solo querría haberme mudado a Madrid antes, hasta que me vine a vivir aquí en el 2002 todo era más lento y costaba mucho encontrar gente afín con la cual estimularte y desafiarte. Anteriormente viví en sitios más pequeños (Ciudad real, Cuenca, Almería y Granada)

A finales del año pasado dijiste (en una entrevista) que estabas dibujando y diseñando un video juego ¿Sigue en pie?, ¿cuándo es la fecha de lanzamiento?, ¿cómo fue para vos esa experiencia?

Fue ilusionante. Pero, como cualquier proyecto, puede caerse en cualquier momento y algo parecido surgió. Está aparcado pero ya había mucho trabajo de diseño hecho, así que espero que arranque algún día porque sería una lástima, pues estaba quedando muy chulo.

¿Tenés a alguien dentro de la industria gráfica con quien te encantaría trabajar?, ¿y en el séptimo arte?

Por supuesto, desde peque tuve muchas ganas de colaborar con Disney, ya sea diseñando o en algún proyecto de imagen real como actor, sigo deseando que se haga alguna vez realidad.

Por otro lado, hay grandísimos ilustradores a los que admiro y que gracias al séptimo arte he conocido y no solo eso, sino que hemos compartido proyectos (ellos ilustrando y yo dando vida a alguno de sus diseños como ha pasado en Crimson Peak) y hablo de Guy Davis o Chichoni.

Si en el séptimo arte pudiese cumplir mis deseos de colaboración, tendría una carrera enorme pues son muchos: Lars Von Trier, Spilberg, J.J. Abrahams, Woody Allen, James Cameron, mi amiguete Santiago Segura, Almodóvar, Jim Jarmuch, Cronenberg, y un largo etcétera.

¿Cómo ves el panorama del cine fuera de los grandes blockbusters norteamericanos?

Me encanta el cine independiente, el cine comercial y casi cualquier tipo de cine. Debido a la crisis del rubro hay muchos proyectos que caen; pero, por otro lado, la facilidad para crear que aportan las nuevas tecnologías permite que la creatividad encuentre su manera de emerger. Sufro por la industria, pero no por el séptimo arte.

En Crimson Peak, una de las pelis que se vienen de Guillermo del Toro, trabajás junto a tu doble Doug Jones. Una de las pocas personas que posiblemente puede entender tu línea de trabajo. ¿Qué tal fue trabajar con él y con Guillermo?

Doug es la persona más agradable y cariñosa del mundo, es imposible no adorarlo. Ojalá coincidiéramos en todos los proyectos.

Con Guillermo siempre es muy fácil, a pesar de todos los elementos periféricos que componen cada escena de sus grandes superproducciones. Es tan claro y se rodea de gente cercana, sencilla y práctica, que estar con él y rodar se convierte en algo muy fácil y cómodo. Es inteligente, práctico, directo, agradable, sensible y creativamente constante. Es un oro puro para los amantes del cine fantástico (como yo).

¿Qué consejo le darías a alguien que quiere trabajar en la industria del cine?

Ni idea. Que hagan por mantenerse sanos. Así si tienes la suerte de conseguirlo, puedes hacerlo por muchos años.

La Niña Medeiros

Con tan solo cinco años de edad, un pariente médico notó algo raro en el pequeño Javier al que pronto diagnostican con el Síndrome de Marfan.

Esta enfermedad genética afecta al tejido conectivo que es el responsable (además de dar forma a los órganos, músculos, vasos sanguíneos, etc.) de las amortiguaciones de las articulaciones. Produciendo una hiperlaxitud que permite posiciones aparentemente imposibles para cualquier ser humano.

En Argentina existe la asociación Marfan (www.marfan.org.ar), pero la página parece estar dada de baja.

Ante cualquier consulta o duda sobre el tema, la Fundación Favaloro cuenta con un panel de especialistas multidisciplinario (www.fundacionfavaloro.org).

Para más información online sobre el tema, recomiendo la página española de la Asociación Marfan: www.marfan.es

Javier Botet, el hombre

No voy a mentir diciendo que conozco a la persona, pero lo poco que pude vislumbrar de este hombre es que es humilde, generoso y de gran corazón.

¿Qué pasa cuando el destino mezcla una extraña enfermedad con un gran actor?

Quizás, y con un poco de suerte si las cartas salen en el orden correcto, tenés un pichón de monstruo como Javier Botet.

TORONJA PRODUCCIONES: AGUANTE AGUANTAR por Leandro Balbuena

Estaba frente a la PC pensando en qué entrevista nacional hacer respecto a algo que me remonte a la infancia y concluí que lo más infantil y bizarro que puede haberes un nerd, geek o freak, como le dicen ahora. Es así que decidí entrevistar, a falta de uno, a tres nerds, y así llegué a Toronja Producciones.

Toronja es un colectivo de tres personas: el gordo Marcelo Yañez, Ariel Sotomayor y Nahuel Rodríguez, que se encargan de difundir toda la movida independiente bajo el lema particular de “Aguante Aguantar”. Hacen cortos, fiestas, eventos y mucho más. Así que me decidí a entrevistarlos y ver qué tienen para contar. Y como estaban muy ocupados se me ocurrió hacerles la entrevista vía chat de Facebook, lean a continuación que fue lo que salió.

¿Qué es Toronja Producciones y a que se dedican?

Marcelo: Toronja Producciones es un grito de alivio. Es un escape a lo que sea que estemos haciendo y, a su vez, es lo único que importa. Es la torre de karin, el entrenamiento de kamisama y kahio shin. Es todo lo que nos llevó a ser lo que somos ahora. Unos gokus nivel 3. Lo que hacemos de momento son videos y cortos en base a la productora que tenemos, nos fuimos armando de a poco. Empezamos siendo más personas (siete en total), después, íbamos cambiando. Con el tiempo quedamos nosotros tres.

Cuéntenme cuál es el objeto nerdico que recuerdan de su infancia y cuál es el que poseen ahora que disfrutan como si fueran chicos

Nahuel: Me acuerdo todos mis juguetes, Thundercats, Tortugas Ninjas, Crash Dummies, Saint Seiya, GI Joe, Silverhawks, etc... No tenía muchos de cada uno, a lo sumo 2 muñecos y un vehículo como mucho... se perdieron todos al dejarlos en lo de un conocido de mi padre... no conservo nada... pero a partir del 2009, empecé a recuperar mi infancia perdida, y tengo más ahora de todo un poco...

Debían ser magistrales las batallas entre los Thundercats y las Tortugas que tenían de aliados a Saint Seiya y Silverhawks, todo para terminar con Gi Joe rescatando a todos, ¿no?

(Risas) No hacía un crossover. Es más... imaginaba personajes que no tenía en muñecos y me hacía juguetes con cajas... y, ya siendo más sofisticado, me hacía Transformers con polyfan, usando tuercas, tornillos y bisagras para las articulaciones y transformaciones. Optimus Prime medía cerca de 40 cm de alto, y le hice el tráiler.

Ya nos contaste que perdiste todos tus juguetes de cuando eras chicos, por eso, de los nuevos, ¿cuál es el que más etasorás?

ufff.. Difícil... me gustan todos...pero tengo un par de favoritos, déjame pensar.

Vehículos: Turtle Van Party (camioneta de las Tortugas Ninjas); el Technodrome; Ecto-1; Batmoviles de Batman Forever, Batman Beyond, Super Powers y el de Brave and the Bold, y el Batplane de la serie animada... dos motos de Motoratones...

Muñecos: Batman de Super Powers y el de Michael Keaton de 1989, Chacalo nacional de Thundercats (la pintura es más fiel a la serie más que el importado, es el más buscado en todo el mundo), un T800 dorado, de Jocsa al que se le iluminan los ojos...

No sigo porque es bastante y no me acuerdo ahora todo lo que tengo.

¿Me cuentan qué son las Fiestoronjas?

Marcelo: Las Fiestoronjas son un gustito nuestro, es hacer lo mismo que hacíamos en nuestras casas cuando estábamos con ganas de joda, pero en un bolichongo, donde mezclamos música imposible de escuchar en algún otro lugar con nuestros cortos y bloopers. La gracia es que lo hacemos para sacarnos las ganas, es un proyecto que siempre quisimos hacer y, con la mano de Ariel que es el que está detrás de la selección de la música, nos mandamos altas jodas, sorteos, pogo, y bizarrismo.

Hace poco se mandaron el segundo Toronjapalooza, ¿qué nos pueden contar sobre esto?

Ariel: El Toronjapalooza fue la genial idea de Marcelo, bah...en verdad siempre tuvimos ganas de hacer un evento, pero todo el tema producción/monetario nos tiró para atrás más de una vez. Nahuel siempre participó activamente de varios eventos que se venían haciendo en Capital Federal orientados a toda la movida manga/anime más que nada y fue gracias a él que entramos en ese circuito.

Ahora bien, la idea del Toronjapalooza fue siempre la de hacer un evento que nuclee no solo a todo el público del anime...sino también a otras propuestas que nos gustan igual o hasta más como videojuegos, comics, cine o música. Y a todo eso agregarle ¡la movida independiente de esa cuestión!...un chabón que hace su videojuego, un amigo que edita su propia revista, una banda que arranca con canciones nuevas. La idea del Toronjapalooza es que todo aquel que tenga arte para mostrar, ¡¡¡que venga y lo muestre!!!

Genial, es un evento muy variado y que en un año creció de una manera increible. cuéntennos cómo es ese tema de que hacen VFX para grandes películas, ¿qué son los VFX?, ¿y en qué films los hicieron?

Nahuel: gordos... esta se las dejo a ustedes. (Risas)

Marcelo: Con el tiempo Ariel y yo nos pusimos en la parte de edición a aprender todo lo que podíamos, porque teníamos que saber solucionar los quilombos que surgían cada vez que filmábamos. Así que, en principio, con tutoriales fuimos aprendiendo el laburo. Fuimos al IDAC en Avellaneda, donde aprendíamos animación y cine.

Con el tiempo y con la cantidad de cortos que hacíamos, nos curtimos para tener una base y buscar laburo de lo que nos gustaba. Y ahí entramos en Malditomaus, con El secreto de sus ojos” probando algo que no sabíamos que se hacía, Rotoscopiado, algo que es dibujar el borde de un personaje para poder separarlo cuando no hay cromas ni fondos verdes que funcionen. Nos enseñaron todo en Malditomaus, y fuimos aprendiendo cosas nuevas como composición Hasta, en un momento, terminar laburando en películas como Expendables o This Is The End.
La peli de Capussotto nos cayó del cielo y la laburamos re emotion. Sacando cromas, armando fondos y haciendo parches... nuestro laburo en Malditomaus consistía en hacer invisible los errores o el hecho que la toma hubiera sido hecha en fondo verde.

Nahuel, contame cómo son Marcelo y Ariel. ¿Qué rol cumple cada uno en Toronja Producciones?

Ellos son los editores. Ariel es más detallado y paciente para hacer efectos, los videos con más detalles son de Ariel. Marcelo es más del lado de la animación, aunque hace tiempo que no hace, salvo algún cortito loco cada tanto. Igualmente, cada uno se reparte los laburos, los dos saben hacer de todo. Quizás uno hace o dedica más tiempo y laburo que el otro, dependiendo de lo cotidiano de cada uno. En rodaje, Ariel es más del lado del talento de actuar y tirar ideas locas. Marcelo tiene su magia también en ideas. Con lo que es equipos, Marcelo toma la cámara porque él tiene más en mente lo que quiere mostrar, aunque a veces frutea un poco para hacerlo bizarro, je.

Yo, por lo general, soy más del lado comercial, es en lo que me forjé, ya que ellos siempre me dejaban solo en los stands en eventos y no aparecían por largo tiempo, me crecieron tentáculos para atender a la gente. Hice sonido en algunos cortos y cubriendo al sonidista de Lucho's Big Adventure, hasta llegar a ser titular en unas de las últimas tomas. De extra, a veces hago, pero me daría bien con la parte utilería y escenográfica.

Marcelo: Sí, de hecho Nahuel hizo varias escenografías para la peli Lucho’s Big Adventure, en una escena donde se simula un programa de televisión.

O sea que entre los tres hacen de todo y se complementan a la perfección. Para ya cerrar del todo, cuéntenme qué proyectos a futuro tienen, tanto grupal como individualmente.

Ariel: Vamos a hacer nuestra primera animación que va a estar incluida en un largo nacional independiente. Tenemos muchas ganas de hacer nuestro largo mezcla de animación con actores, también. Seguir con las Fiestoronjas y los Toronjapalooza; a nivel personal, poder pagar el alquiler (Risas).

Marcelo: Tenemos también ganas de hacer una serie de cortitos de terror más serios en animación que están hace años escritos y no los activamos. Además, ya empezamos a escribir nuestro primer largo, bien nerdo, siempre.

Espero que hayan disfrutado tanto como yo de esta charla con tres grandes de la cultura nerdica nacional y, realmente, deseo de todo corazón que cada vez que intenten llevar adelante un proyecto y sientan que no podrán, piensen en estos tres tipos y griten bien fuerte “Aguante Aguantar” y recuperen el ánimo. Porque si hay algo que nos enseñan los Toronja es que todo se puede mientras uno se rodee de amigos y buena onda.

Entrevista a los responsables de Blues De Los Plomos

Gabriel Patrono es una de esas personas copadas que disfrutan de difundir todo lo que se hace a nivel cultural en el país, en especial si se hace de manera independiente. Lleva 18 años con su colectivo cultural La Nave de Los Sueños, y casi 10 años realizando un ciclo junto a la Biblioteca Nacional, todos los martes del año.

Paulo Soria es parte de la productora Farsa producciones, a la cual llego casi de casualidad. Actuó en todos los films de la productora desde Plaga Zombie en adelante, además actuó en videoclips como ArrancaCorazones de A77aque y mucho más, un verdadero luchador del cine de género nacional.

Ahora, ¿que pasaría si los juntamos a ambos? Simple formaríamos el equipo numero uno. Y esto fue así, ya que hace un tiempo se juntaron, potenciando sus capacidades y lograron el rockumental mas grande del cine nacional. Estamos hablando de BLUES DE LOS PLOMOS. Pero dejemos que ellos nos cuenten de qué se trata.

1. Gabriel contanos como nace LA NAVE DE LOS SUEÑOS y porque la gente debería asistir los martes a la biblioteca nacional a presenciarla

La Nave nace como una necesidad de un grupo de amigos en los 90, de visibilizar un recambio generacional en el ámbito de la cultura del país, y ofrecer una pantalla a toda una camada de gente que no le resultaba fácil mostrar lo suyo, ya que aún no había explotado la importante cantidad de festivales que hay en la actualidad, y no existía intenet. En la Biblioteca Nacional encontramos en cálido espacio para homenajear a los talentos emergentes y dar un marco importante a aquellos con mas trayectoria, llegamos alli después de muchos años de batallas, muestras, aventuras y giras interminables por todo el país.

2. Contanos 2 o 3 anécdotas que hayan ocurrido en estos 18 años.

Muchas! Colaboramos con el descubrimiento de varias importantes escenas como el video clip, la animación independiente, el nacimiento del nuevo cine fantástico, escenas experimentales, el suceso del cortometraje en los 90, y la recuperación de obras extraviadas.

Tal vez la hazaña mayor fue la recuperación de un corto de Leonardo Favio que estuvo décadas perdido, y con quien además nos dimos el gusto de hacer un hermoso libro que está próximo a ser re editado.

3. Paulo contanos como fue tu llegada a las huestes de Farsa producciones.

Conocí a Hernán Sáez en el colegio secundario. Junto a él y Pablo Vostrouski (músico de Farsa e integrante de Madi Walter, la banda que junto a Oveja Negra musicaliza Blues de los Plomos) compartíamos charlas y eventos escolares. Yo estaba en 3ro, Pablo en 4to y Hernán en 5to, pero aprovechábamos espacios como una radio interna o días del estudiante para hacer cosas juntos. Nos cruzábamos en shows de Spinetta y después hablábamos en los recreos, donde también aparecían tópicos como Cha Cha Cha o los Beatles.
Yo conocía FARSA porque Hernán llevaba animaciones que hacían con Pablo Parés y siempre estaban dando vueltas en las máquinas del aula de "Computación". Un día Hernán me dijo que iban a pasar un corto de Farsa en la tele y lo sintonicé (creo que era Cana A). Ahí vi "El ataque del vampiro espacial" un corto de Farsa homenaje a Ed Wood. Quedé flasheado y pensé: "Yo quiero alguna vez filmar con estos pibes." El deseo se concretó un día que Hernán me invitó a actuar de zombie en un corto que luego se convertiría en el primer largo de Farsa: Plaga Zombie (1997). Ese día encontré mi lugar y a quienes serían mis amigos por el resto de mi vida.

4. Tuviste la oportunidad de actuar en todos los filmes de la productora, contanos alguna nota de color sobre las filmaciones.

Son miles, desde que nos pare la cana para palparnos de armas a todo un camión lleno de zombies durante el rodaje de Plaga Zombie 2, hasta co-escribir con Iorio sus textos para el dios del Asado en Kapanga Todoterreno. Pero, personalmente, creo que el momento clave para mí fue cuando aquel primer día en que fui a filmar, Pablo me mostró un ojo de plastilina y me dijo: "Este es tu ojo". Yo le respondí: "Como el de Noche Alucinante". "¿Viste Noche Alucinante?", me dijo, sorprendido. En ese momento, cuando no había internet, era raro encontrar gente con los mismos gustos, sobre todo hablando de cine gore y de terror. Ese fue un momento clave.

5-¿A qué edad descubrieron su amor por el Rock nacional?

Paulo: En mi caso, mi vieja me cantaba Plegaria Para un Niño Dormido (Almendra) como canción de cuna y luego, los días que me quedaba en lo de mis abuelos (estoy hablando de cuando tenía 5 o 6 años) empecé a poner discos en el Winco que había sido de mi vieja. Entre los de María Elena Walsh o Pipo Pescador, encontré un simple de Almendra (Muchacha Ojos de Papel / Ana no duerme) y otro de Polifemo (Suéltate Rock and Roll / Vamos tranquilos). Quedé marcado con esos discos y los infantiles quedaron de lado. Hoy conservo esos simples, ya gastados.

Gabriel: Siempre estuve detrás del rock, de chico iba todos los fines de semana al Estadio Obras, y esperaba a los músicos a la salida para preguntarles algo o me quedaba viendo como desarmaban el escenario y al otro día volvía. Mi primer trabajo fue como fotógrafo de rock y fotografié la escena musical de los 80, desde el punto de vista de un chico, material que espera en archivos para realizar alguna muestra ya que hay cosas increíbles de artistas como Miguel Abuelo, Charly García, Spinetta y muchos más.

6. ¿Cuál de los dos acerco la idea al otro acerca de hacer un film documental sobre la vida de los plomos de las bandas de Rock?

Paulo: Veníamos hablando de hacer algo sobre los personajes del rock que no son las estrellas, los héroes, hacía tiempo. Pero un día que estábamos los dos yendo a lo de Demián Rugna, porque habíamos sido reclutados por Videoflims para ser jurados de los spots de su primera gala, Gaby tiró el concepto de los plomos como al pasar y quedamos prendidos. Creo que nos dimos cuenta de que era el ambiente ideal para investigar esa idea que teníamos.

7. ¿Cómo fue conocer a esa gente que conoce a los artistas de rock más que las propias familias de los mismos?

Las experiencias fueron diferentes con cada uno, pero algo similar pasó con todos y es que nosotros creíamos que los plomos envidiaban a los artistas con los que ellos trabajan o trabajaron, pero al conocerlos descubrimos esta idea de amistad y familia que los envuelve. Fue muy importante descubrir eso, porque nos dio el fuego que necesitaba el documental, cambiándonos por completo el rumbo de lo pensado. En principio iba a ser una película casi histórica, retratando diferentes momentos del trabajo del plomo desde una estructura temporal, pero hubo un volantazo que nos llevó a hablar del aspecto humano y no tanto de cuestiones técnicas del oficio. Creo que tuvimos suerte al darnos cuenta de eso a tiempo.

8. ¿Con que personajes se encontraron al filmar este film?

Nos encontramos con personajes muy apasionados, rockeros que viven el rock con convicción, gente sensible, musical y comprometida.

Todos los que aparecen, fueron tipos que nos abrieron sus puertas y hoy ya son nuestros amigos. No es ese tipo de documentales en el cual se busca ridiculizar o poner en un lugar bizarro al personaje (que nos encantan), al contrario, se trata de valorizarlos (incluso con sus contradicciones). Creo que tanto ellos como los músicos que nos dieron entrevistas, lo comprendieron.

Así fue que descubrimos a gente como Jota (encargado de escenario de Almafuerte), Aníbal Forcada y los Oveja Negra (responsables del tema que da título a la película), Lebek, Marquitos, Bértoli, Gonza Cabré, Rocky y montón de plomos de diferentes etapas del Rock Argentino. Pero está clarísimo que la gran estrella de los escenarios de nuestro rock, es Aníbal "La Vieja" Barrios, asistente eterno de Luis Alberto Spinetta. Cuando vean la película, sabrán por qué decimos esto.

9. Hace poco la legislatura porteña les otorgo el honor de nombrarlos Film de interés cultural, en una tarde única con León Gieco, Claudia puyo, Moris, Aníbal Forcada y Aníbal Barrios entre otros, ¿que sienten al tener estos reconocimientos?

Este fue un reconocimiento muy raro para nosotros, en el sentido de que no era esperado ni estaba en los planes de ninguno. Un premio en un festival es algo que uno desea, a veces se da y a veces no, pero es una posibilidad. En cambio, un reconocimiento como este es algo que, mínimo, lo sorprende a uno. Pero más allá del reconocimiento en sí, lo groso fue lo que pasó esa tarde, con todos los plomos allí, León cantando con la camiseta de la película puesta (literal y metafóricamente), amigos y familias rockeando un miércoles a la tarde en pleno parlamento porteño, Moris y Miguel Grinberg viniendo a bancar la movida con su presencia y sus palabras de fundadores del Rock Argentino... Tremendo.

10. ¿Cómo siguen sus carreras luego de esto? ¿cuáles son sus próximos proyectos?

En principio estamos abocados a mostrar "Blues de los Plomos", llevarla a festivales y todos los lugares donde nos inviten. Además, conformamos un frente de rockumentalistas con el que comenzamos una gira nacional (la primera) de películas de rock: LA PESADA DEL DOC, con la cual planeamos llegar a todos los rincones del país con un catálogo de más de una docena de películas de rock actuales.

Ambos tenemos proyectos con FARSA y LA NAVE DE LOS SUEÑOS, como siempre, pero cuando pase el período de mostrar "Blues de los Plomos" en festivales, ya nos verán metidos en un nuevo proyecto rockumental juntos. El Rock no murió y el Cine está siendo testigo de eso.

Te paso las webs, por si da para chivearlas:

www.facebook.com/bluesdelosplomos

@BluesPLOMOS

www.bluesdelosplomos.com.ar

www.facebook.com/LapesadadelDOC

Entrevista a Uwe Boll por Ernesto Lopez

Uwe Boll: ¿El Ed Wood del nuevo milenio o un genio incomprendido?

Ernesto López se calzo los guantes de box y entreno 6 meses en la nieve, cuál Rocky para entrevistar al director Germano famoso por desafiar a boxear a sus criticos. ¿Habra sobrevivido?

1. Tus cuatro primeras películas fueron films independientes poco conocidos fuera de Alemania. Al margen de un buen trabajo en TV con Sanctimony, empezaste a hacerte conocido con Blackwoods, considerada por los fans más acérrimos como tu mejor película. ¿Creés que esto tuvo algo que ver con que fue tu primera película fuera de Alemania?

También filme Sanctimony fuera de Alemania… En Vancouver... así que para mí Blackwoods fue la película número dos. Creo que Blackwoods tenía un toque fresco y una idea detrás de la historia, pero está muy por detrás de por lo menos otras diez películas Boll, en lo que respecta a la calidad.

2. ¿Alemania apuesta al cine de género? ¿Alguna vez recibiste algún subsidio para realizar tus películas en ese país?

Nos dieron una beca para mi película First Semester, una comedia alemana, y para Max Schmeling sobre el famoso boxeador alemán, filmada en Alemania, hablada en alemán, hace unos años. En general, el sistema de subsidios alemán odia las películas de género.

3. A mediados de 2006 te transformaste en una especie de celebridad de Internet debido tanto a diversos rumores (¿Las películas de Uwe Boll se financian con oro nazi?), como a que retaste a todos los críticos que insultaran tus películas a ponerse los guantes y enfrentarte en un ring. ¿Cómo nace la idea de pelear con los críticos?

Después de que consiguiera tan malas críticas de Bloodrayne, yo estaba tan cansado que quería golpear que los críticos en la cara, así nació el truco publicitario.

4. Finalmente, diste una paliza a Oso, administrador de la web CineCutre en un ring montado en el Festival de Cine de Terror y Fantástico de Estepona. Contanos una anécdota sobre eso.

Después de que quedó claro que iba a boxear a cuatro críticos en Vancouver, el festival español me invitó y me dijo que querían que también peleara con un crítico ahí. Así que dije que sí a eso y la lucha fue alrededor de la 1.30 a.m. en la noche... A propósito, no lo noquee porque tenía miedo de que luego los otros cuatro en Vancouver no se presentaran.

5. Después de dos películas realmente buenas, Blackwoods y Heart of America realizaste House of the Dead, tu primera obra basada en un videojuego. ¿Cómo fue recibida en Norteamérica? A raíz de House… y Alone in the Dark comenzaste a ser conocido en Internet cómo el ‘nuevo Ed Wood’ ¿Qué opinás de esto?

House Of The Dead fue hasta hoy el mayor éxito financiero que he tenido y el mayor fracaso crítico..... Esa película comenzó la campaña de odio contra mí en todo el mundo y con más películas de videojuegos como Alone in the Dark y Bloodrayne el odio se hizo más grande.

6. ¿Jugás a todos los videojuegos que adaptás?

Sí.

7. ¿Los elegís vos o las productoras te contratan para eso?

Yo era siempre mi propio productor en todo y reuní dinero para todas mis películas. Todas las personas nombradas productoras en mis películas consiguieron básicamente ese título como un favor y nunca pagaron nada. Dan Clarke es un gran productor en línea e hizo un gran trabajo, pero también él nunca tomó los riesgos que yo tomé y nunca reunió dinero.

8. Tanto el juego como la película Postal son obras maestras. ¿Supuso un reto adaptar un juego casi sin historia a la pantalla grande? ¿Los muchachos de Running With Scissors tuvieron algo que ver en la realización del guion?

Incluso escribieron su propio guión, pero era serio, sin comedia y solo con sangre. Sentí que nunca iba a funcionar. Los convencí de ir con una comedia sangrienta.

9. En el juego Postal aparece Gary Coleman, que es asesinado por el protagonista. ¿Qué hay de cierto en que no lo dejaste participar en la película y lo reemplazaste por Verne Troyer?

Él no quería estar en la película porque decimos muchas veces la palabra “fuck”, pensé que estaba bromeando, pero él es un ultracristiano y hablaba en serio. Así que contratamos a Verne y fue la elección perfecta.

10. Cuando trabajás con grandes presupuestos (como en In The Name of The King) lográs realizar películas de calidad disímil, mientras que cuanto estás más ajustado en ese aspecto, sacás maravillas como Tunnel Rats. ¿No sabés cómo manejarte con los grandes presupuestos o soy un pelotudo por preguntarte esto?

Cometí el error con mis películas de gran presupuesto que el guion no siempre estuviera lo suficientemente desarrollado.... soy mejor con la película que escribo por mi cuenta.

11. Con tantas malas críticas que reciben tus películas, ¿alguna vez hubo problemas para conseguir actores o acceder a los presupuestos millonarios con los que trabajás?

Por supuesto, yo siempre tuve que enviar DVD de mis películas a los agentes, etc., para que puedan ver si mis películas son realmente malas.

12. Siendo el director de muchas grandes películas, como Rampage, Stoic, Dafur, o la ya mencionada, Tunnel Rats, ¿Por qué seguís realizando films basados en videojuegos? ¿Pensás que realmente este tipo de cine tiene futuro o las filmás por el beneficio económico que reportan?

Yo básicamente dejé de hacer películas basadas en videojuegos. Solo sigo con In the Name of the King porque puedo ganar dinero con eso.

13. Auschitwz es tu film más político. Siendo una buena película, ¿por qué fue tan criticada? Es evidente que muchos de los cybercríticos que la destrozaron ni siquiera tuvieron la decencia de ver la película, descalificándola por ser “otra de Uwe Boll”

Ellos pensaban que yo no puedo hacer una película sobre el holocausto y pasaron por alto que en realidad hice la única película sobre el holocausto que muestra la MATANZA.

14. ¿Seguís pensando que la gran mayoría de los críticos son maricones que se ocultan detrás de una pantalla?

Nunca pensé eso. Empecé como critico de cine por varias estaciones de radio y me gusta criticar películas por mi cuenta. Lo que yo solo odio es lo que escribiste arriba: Algunas personas escriben comentarios sin ni siquiera ver una película.

15. Vi Assault in Wall Street, una de tus últimas películas, en un colectivo de larga distancia. Recuerdo haberme dicho: Es una obra maestra, no puede ser tan ilógica. ¿Pensás que el cine de acción todavía tiene futuro o debemos darlo totalmente por perdido?

No me gustan todas las películas de cómics y franquicias de Hollywood. Siempre me gustaron las películas de acción si eran políticas o si tenían un fondo realista.

16. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Filmo Rampage 2, a partir del 6 de enero.

17. En muchas de tus obras se ve claramente una influencia de Steven Spielberg, desde pequeños diálogos/homenaje hasta escenas directamente copiadas como las que se ven en Alone in The Dark. ¿Considerás a Steven uno de tus referentes? ¿No creés que él debería homenajearte a vos?

Me gustan mucho sus películas más antiguas... como Jaws o E.T.,. pero no me gustan mucho sus películas de los últimos 10 años.

18. ¿Por qué carajo Tara Reid no estaba desnuda en la escena de sexo de Alone in the Dark?

Porque ella no quería y estaba en su contrato: no desnudos. Curioso es que ella no tiene ningún problema para llegar a una fiesta y que sus tetas se salgan.

19. ¿De todas tus películas, cuál considerás la mejor?, ¿por qué?

Darfur: porque es tan intensa e importante. Stoic: porque no tiene ningún defecto. Assault on Wallstreet: porque fui capaz de conseguir que el público realmente se emocionara.  Rampage: porque es implacable.

20. ¿Qué consejo le darías a los directores noveles que quieren dirigir su primera adaptación de un videojuego?

Haz algo que se pueda hacer perfectamente con el presupuesto que tenés. No trates de hacer Star Trek con $ 100 000.

21. ¿Considerás a Will Sanderson tu actor fetiche? ¿Tiene algo que ver con que seas el único director que aún le da trabajo?

Él era mi único amigo-actor de verdad además de trabajar con él, ahora es médico, ya no es actor, hace como 5 años. Seed fue su última película. A Michael Pare y Dominic Purcell también los considero mis amigos.

22. Para cerrar, ¿Seguís opinando que todos los críticos de cine somos forros a sueldo de multinacionales?

A veces.

En Argentina, tenemos muchos festivales de cine de género, nos encantaría que nos lo hagas saber si alguna vez quisieras presentar una de tus películas en alguno de ellos

Entrevista a Jotar por Leandro Balbuena

Jotar, Una Vida rodeado de Demonios, mujeres sexies y comics

Asistente de arte (vestuarios); asistente en diseño de producción (escenografías, ambientación); Producción (coordinación) y Diseñador del comic oficial de Daemonium.Todo eso y más hace Jorge “Jotar” Tarruella, y aun tiene tiempo para responder nuestras preguntas.

·         Contales a los que no saben de la existencia de DAEMONIUM por qué deberían conocerlo

Daemonium es una película episódica comunitaria que empezó como “un gusto a darse” entre un grupo de cinéfilos, expertos en efectos visuales, “props”, técnicos, gente de fotografía y música, y que creció hasta ser esta gran apuesta al cine de género local. Es algo que hasta ahora no había pasado nunca en la Argentina: una producción independiente de género fantástico y sci-fi con calidad internacional. ¡¿Cómo perdérsela?! Y si, además, te gusta el espíritu de las películas de acción y fantasía ochentosas, entonces te va a divertir mucho ver Daemonium. Se trata de algo que hacemos además con el corazón y mucha garra, con un gran esfuerzo. Esfuerzo que nos retribuye como artistas en las críticas que vamos recolectando y nos retroalimenta. Y con una calidad de la cual estamos muy satisfechos. ¡El resultado bien recontra sin dudas vale la pena ser visto y compartido!

·         ¿Cómo llegaste al proyecto?, ¿es verdad que surgió de una devolución de gentilezas de Pablo Pares a Simón Ratziel, por su ayuda en Plaga zombie: revolución tóxica?

Llegué al proyecto como la mayoría que estamos en él: por suerte, cercanía y perseverancia. La idea original creativa fue de Dany Casco, especialista en “props” y realizaciones, y Simón Ratziel, experto en efectos especiales. En un inicio, ellos plantearon un universo ultraviolento, distópico y lleno de personajes locos en una sesión de fotos llamada “Pandemonium”. ¡Zarpadas fotos! Como Simón y la gente de Rabbid FX habían colaborado anteriormente con Pablo Parés en los FX de Plaga zombie,  fue casi natural que Pablo, como director, aportara su visión para darle movimiento a ese universo fotográfico cuando Simón y Dany le plantearon la idea de filmar un trailer falso. Pero fue Pablo quien los convención de directamente realizar un corto, que fue renombrado como Daemonium, y fue lo que hoy es el capítulo 1, “Bautismo”. Al rodaje del 1 yo llego como amigo de Simón para actuar de extra demoníaco de la legión que ataca a Loly, la colegiala. Fue cuestión de tiempo y seguir involucrado lo que me llevó a meterme más y más en el proyecto. Y así se fue formando Hydra Corp: con gente que aportó su ayuda, su talento y su tiempo.

·         ¿Cuál es el trabajo que hacés en el set de filmación y posteriormente a las filmaciones?

El laburo en Daemonium empieza en la preproducción. Con el guion finalizado, ¡alabada sea Flor Canosa, guionista de fierro!, nos fijamos con Dany y el equipo de arte qué cosas son necesarias para las ambientaciones de los sets, qué vestuarios son los adecuados —los principales a su cargo y los secundarios mi responsabilidad—, vestir demonios, vestir gente de este mundo postapocalíptico en crisis, vestir a los magos, ¡que fue una tarea monumental, más de 15 magos en una sola jornada! Luego aportamos junto a Amanda Nara realizaciones de gráfica, carpetas, dossiers, pósters, etc., que se ven a lo largo de los capítulos y le aportan detalle al mundo de Dae. En lo particular me encantó intervenir un libro antiguo para la realización del libro de magia del Ermitaño en el capítulo 3, donde se ven los grabados antiguos sobre la misteriosa criatura que hay en La Caja y el Demonio del portal. También, y por necesidad nos hemos vuelto un poco “polirubro”: fui uno de los mercenarios en capítulo 2, hice de varios extras en los capítulos 1 y 3, ayudo en coordinación de producción y locaciones, muchos de nosotros lo hacemos, de hecho, y por supuesto, está el laburo —fuera de los sets— del cómic oficial que vengo llevando adelante desde el capítulo 2.

·         ¿Qué nos podes adelantar del episodio 4?

¿Qué no sean SPOILERS? Uh, qué difícil. A ver… El capítulo 4 tendrá una clara estructura de acción y una duración más parecida a los capítulos 1 o 2, mucho más cortó que el 3. Ocurrirá en un momento de la historia no muy lejano a donde nos dejó el capítulo 3, es decir, con Razorback y su reloj de sangre corriendo y todo lo que ya sabemos, intuimos y fuimos viendo en los tres primeros capítulos. Tendrá mucha acción. Quizá la clave o pista de lo que esté por ocurrir en el capítulo 4 tiene estrecha relación con el último plano de “Hannya Shibari”, el capítulo 3. ¡No diré más!

·         ¿De dónde sacan los fondos para llevar a cabo un proyecto de ciencia ficción de tal magnitud?

Brotan de unos hongos que crecen en los bosques cordilleranos del sur argentino. Un grupo de expertos expedicionistas trekkinistas extremos los recolectan en nuestro nombre y los traen a Buenos Aires donde botánicos expertos de Hydra Corp. recrean la biósfera patagónico-andina y los cultivan en un ambiente controlado. Luego de eso, magia natural mediante —llevada a cabo por un grupo de brujas wiccan de primer nivel—, podemos cosechar los primeros brotes, al principio apenas unas monedas, pero avanzado el tiempo estamos en condiciones de recolectar nuestros fondos hidropónicamente independientes. Esa es la clave y la condición sine qua non para la financiación del proyecto. Bah, y también suma alguito que muchos del equipo ponemos plata de nuestros bolsillos, o los colaboradores que actúan y financian, seguidores, fiestas de recaudación, etc.

·         ¿Por qué eligieron doblar sus propias voces?, ¿quiénes son los doblajistas que trabajan en Daemonium?

Se dobla por elección artística. No renegamos del acento local pero las voces que venimos escuchando desde hace 30 años en las películas, dibujos animados y series (McGyver, Dragon Ball Z, Los Simpson) nos parecían adecuadas para representar el espíritu fantástico y de acción de Daemonium. Plus, Dany tenía contacto a través de un amigo en común con los principales dobladores mexicanos como Paty Acevedo, Angie Villa, Humberto Vélez, René García, Carola Vázquez, Sofía Huerta, Jesús Cortez y Mario Castañeda, entre otros. No se trata de una “estrategia” de mercado para ganar Latinoamérica como he escuchado por ahí, simplemente esta gente la tiene reclara a la hora de transmitir sentimiento, suspenso y carisma solo con la voz. Daemonium además no ocurre en Argentina, es un mundo alternativo, neutro. El castellano neutro de estos profesionales les suma a los personajes un extra que realza cada composición. Un golazo y un orgullo contar con ellos.

·         ¿Por qué prefirieron dividir el film en cinco episodios y subirlos gratuitamente a YouTube en lugar de buscar un estreno en cines de un film completo?

Como proyecto que se fue construyendo a sí mismo aún ninguna posibilidad ha sido descartada. Una cosa no invalida a la otra. La decisión de subir los capítulos individualmente obedece a dos razones: en un principio el capítulo 1 fue el estallido y concreción de las ideas primordiales que pusieron en marcha Daemonium. Era tener esos 13 minutos de pura acción palpables, pero no poder distribuirlo más que como un corto aislado en algún festival. Y dos, en ese mismo momento los productores e ideólogos, Simón Ratziel, Dany Casco, y Pablo Parés como director, trataré de no olvidarme de nadie en ese comienzo: Mariano Suárez y Ramón Aráoz en fotografía y luces, Amanda Nara como diseñador y actor, Martín Coca en producción, Gilberto Zhu y Eze Villahoz en VFX, Guille Gatti en edición, y un montón de gente que se fue sumando después al proyecto, se dio cuenta que si el promedio para terminar un largometraje independiente en Argentina no bajaba de los 4 años, ese tiempo larguísimo e infinito —y además con gente trabajando “por la gloria”, sin cobrar un peso—,nos iba a destruir el entusiasmo y el empuje del comienzo se iba a desperdigar, y en definitiva podíamos quedar en el camino sin nada terminado. El subirlo gratuitamente a la net, algo que cualquier distribuidor de cine no hubiese aprobado ni aprobaría, fue una apuesta a ver qué pasaba, si a la gente le gustaba, cuál era el feedback. La entrega “dosificada” nos permitió mantener viva la llama de Daemonium como proyecto y a nosotros activos como equipo. Ahora con tres años y pico de laburo y tres capítulos estrenados gratuitamente en YouTube, y con aún dos más por filmar, podemos darnos el lujo de imaginar una gran puesta en escena de Daemonium como película completa, con sus cinco capítulos juntos, independientemente del estreno gratuito en internet de los capítulos por separado. ¿El formato en el cuál podremos ver Daemonium como un largometraje terminado? No podemos saberlo, fijate que el mundo de la tecnología cambia constantemente. Hace diez años era impensado estrenar películas en medios alternativos al cine. Hoy hay cine on demand, hay grandes cadenas virtuales como Netflix y muchos otros en el mismo rubro. Sigue habiendo mercado internacional para DVD. Las posibilidades son muchísimas y Daemonium creo que se va adaptando al paso del tiempo para su difusión.

·         Además de actuar en Daemonium, sos el autor y dibujante del cómic oficial del proyecto. Contanos sobre él.

La idea desde el inicio fue expandir el universo de Daemonium, que trascienda lo audiovisual. Como dibujante de cómics no podía dejar pasar esta oportunidad de hacer algo que disfruto en el contexto de la libertad creativa que tiene la película. Con guiones míos y el visto bueno del núcleo creativo del equipo, Dany, Pablo, Simón, Flor, me propuse contar historias complementarias de Dae, no la típica que sería adaptar los capítulos a historieta. Eso ya se vio y creo que aburre, salvo seas un coleccionista y el artista sea un hípergrosso. Convertir a los amigos y conocidos que actúan en la película en modelos dibujados es un flash. Tenemos varias historias planificadas de las cuales ya se concretó “Una noche en la ciudad”, una aventurita de Loly atravesando Teo-City, topándose con el mago Fulcanelli, y Arteeka casi en un cameo. Una “precuela” del capítulo 1. Se puede encontrar el cómic gratuito subido a internet, con el mismo criterio que los capítulos de la saga, en www.issuu.com/jotarcomics.

·         Hablando de dibujar, sos el dibujante oficial de Ilsa Plum. Contale al mundo quien es Ilsa y que vos no sos ella.

Ilsa plum es una joven bella e inteligente, pero muy desafortunada en el amor. Sin dramas para hablar sin tapujos ni pruritos. Es un personaje que yo dibujo y escribe una amiga mía escritora bajo el alias de Ilsa Plum justamente. El personaje es una mezcla de chica de barrio mezcla con pin up que está más buena que comer pollo con las manos. Eso me permite gran plasticidad de estilo, cuerpito clásico. ¡Me encanta dibujarla! Con sus propios guiones, Ilsa —a quien pueden cruzarse en feisbuc diariamente y tratar de hacer “team-up” con ella, si sos chica, o tratar de levantártela, si sos chico— nació como un personaje de feisbuc que interactuaba con sus contactos y no paró de crecer. Muchos hombres ayudaron —desafortunadamente, para ella— a alimentar la historia de Ilsa como personaje castigado por los clichés machistas. Dueña de un humor mordaz y políticamente muy incorrecto, Ilsa Plum es Ilsa Plum por sí misma sin mi ayuda. El personaje vive por sí solo. Es decir, yo no soy Ilsa Plum como algunos trasnochados y pervertidos piensan, pero sí soy yo quien la dibuja y le da entidad gráfica. ¡Además yo no me podría pagar unas tetas como esas! Estas confusiones son muy graciosas y generan cadenas interminables en el feis.

·         Ya que estamos con Ilsa, contanos del libro que escribieron y lanzaron hace poco.

¡Sí! Estamos felices. Como chicos con juguete nuevo, o como con sex toy recién comprado, como diría Ilsa. La buena gente de Puente Aéreo Ediciones confió plenamente en nosotros y nos propuso sacar un libro de 140 páginas, que se llama Las aventuras desafortunadas de Ilsa Plum!. Ahí van a encontrar los chistes de las famosas frases desafortunadas que le dijeron infinidad de tipos, sus charlas con amigas, aforismos re locos, una columna con formato de blog de internet donde Ilsa cuenta su adicción a los músicos, los cineastas, etc., cómics con “Las aventuras de Ilsa Plum en el Espacio”, un delirio mío que logré meter convenciéndola, para que Ilsa tenga su lado fantástico y bizarro. También hay una serie de “monólogos” ilustrados que tienen mil y un detalles. Y obvio, que no se ve en feisbuc, Ilsa aparece en tarlipes. Fue un laburo gigantesco, estuvimos todo el 2013 con la producción, yo dibujando como un poseso, y ya está a la venta desde el arranque del 2014. Si lo buscan en el feis del libro, “las aventuras…”, se pueden enterar en qué librerías conseguirlo.

·         Bueno para cerrar la nota, cuáles son tus próximos proyectos.

2014… Dentro de lo que es el cómic, ampliar antes de mitad de año la saga de Daemonium con “La patrulla de los Lobos”, otro cómic de mi factura, con los mercenarios del capítulo 2 como protagonistas, y seguir sumando artistas al proyecto: como es el caso de Luciano Vecchio, un artista del carajo, que hemos tentado, je je, para dibujar una historia sobre el mago Fulcanelli. ¡Qué la Fuerza esté con él! Tiren buena onda. Otro plan es darle manija a full al libro de Ilsa Plum y moverlo mucho. En serio, búsquenlo en feisbuc y cómprenselo pronto, con Ilsa tenemos un nivel de vida que mantener y no se consigue mirando el techo. Respecto al cine independiente, uf… que los vientos me lleven hasta el próximo proyecto sea personal, alguna vez me gustaría dirigir algo chiquito para empezar, o con el equipo de Daemonium, al que me enorgullezco de pertenecer.

Entrevista a RICHARD RAAPHORST por Ernesto Lopez

                          ZOMBIES,ROBOTS,NAZIS Y ARMAS DE GRUESO CALIBRE

Ernesto López en un esfuerzo sin precedentes charlo con el director Richard Raphoorst sobre su último film Frankentein’s army y sobre la industria del cine en Holanda y Estados Unidos.

1.      ¿Qué es Frankenstein’s Army? ¿Cómo nace la idea de realizarla?
Siempre tuve una fascinación profunda con la industria pesada y las estructuras mecánicas. Y, cuando me enteré de Frankenstein, cuando  era  niño, ya había hecho  dibujos de mis propios monstruos. Es algo que evolucionó conmigo durante mi vida. Cuando me convertí en un director, era muy obvio que mi primera película sería de esta obsesión.

2.      ¿Estabas preparado para el éxito que cosechó?

Bueno, no del todo, y yo todavía no lo estoy, es tan abstracto. Además no sé acerca de la magnitud del éxito, creo que será exitoso si la gente realmente quiere ver una secuela. Aun así, estoy muy feliz y sorprendido que le vaya tan bien, realmente pensé que iba a terminar en un rincón polvoriento, pero por lo menos hice lo que quería hacer al 100 por ciento. El éxito no era un objetivo para mí.

3.      Además de dirigir, sos actor, guionista, productor y haces efectos especiales. ¿En qué campo te sentís más cómodo?

No hago efectos especiales. Mi equipo favorito es Unreal FX quien también colaboró en El Señor de los Anillos. Yo diseñé efectos especiales, pero no los fabriqué. Me encanta actuar, pero no tengo mucha experiencia con eso. Creo que si volviera a rehacer mi carrera, me encantaría explorar más la actuación.

4.      ¿En Holanda hay movimiento de cine independiente?

En realidad no, en los Países Bajos, dependemos en gran medida de las financiaciones y las estaciones de televisión que apoyan la financiación. Desafortunadamente, ellos no tienen un apetito por mis proyectos. Lo cual puedo entender, por supuesto.

5.      Frankenstein’s Army fue muy recibida en los Estados Unidos. ¿Te gustaría desarrollar una carrera en Hollywood?

Yo no diría que 'no'. Me gustaría investigar cómo es trabajar en Hollywood durante algunos proyectos, pero al final me encantaría volver a mis raíces, dondequiera que estén. Creo que, cuando me retire, quiero empezar a ser un pintor de nuevo.

6.      ¿Qué películas te marcaron a lo largo de tu vida¿Por qué?

Creo que El Imperio Contraataca, porque fue la primera vez que realmente vi que no había limitaciones al filmar un mundo de fantasía. Esos At-At, me volaron la cabeza, Tanques Robot Gigantes. Creo que me inspiraron a lo GRANDE...

7.      En Frankenstein’s Army lograste innovar en el subgénero de cámara en mano, cosa que no parecía muy factible hoy en día. ¿Cómo te decidiste a trabajar con este género? ¿Te sentiste cómodo haciéndolo?

Bueno, de hecho, yo no era consciente en absoluto de este problema, pero yo era consciente de otros problemas, es decir, que ya había muchas películas de zombies, además estaban Outpost, Iron Sky y algunas otras cosas nazis. En tres niveles estaba haciendo algo que no parecía ser posible, y aun así, me quedé firme. Mi lección es: no tengas miedo de permanecer fiel a tu propia idea.

8.      ¿Qué opinás del cine de terror actual?

Creo que el terror actual está copiando y repitiendo fórmulas y fórmulas una atrás de la otra, estoy bastante cansado de todos esas remakes y todo parece seguir una tendencia. Esto hace que sea muy, muy aburrido. Creo que lo más destacado fue en los últimos años de los 80 y principios de los 70, donde había espacio para experimentar...

9.      ¿Te parece que aún es posible innovar en un género tan explotado?

Sí... ¡Por supuesto! Porque la creatividad es infinita. Las posibilidades son infinitas, pero solo requiere un poco coraje hacerlo. Eso es todo. ¡Solo necesita un poco de coraje e ir a por ello!

10.  ¿Es difícil realizar una película en países tan alejados de las grandes compañías cinematográficas?

No, en absoluto, trabajar en Frankenstein’s Army fue muy conveniente y la República Checa tenía un equipo maravilloso y muy profesional. Me encantó rodar allí y también me encanta viajar. Para darte mi opinión sincera, pienso que es aún más fácil de rodar en un país foráneo que en el propio.

11.  ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Estoy centrado en dos proyectos que estoy desarrollando yo mismo.
Uno de ellos tiene lugar en un futuro próximo y es sobre una enfermedad contagiosa donde las víctimas cambian a antimateria, la otra se basa en una leyenda holandesa y se trata de los niños malos enterrados vivos y en el proceso de descomposición donde los dedos podridos están creciendo por encima del suelo pidiendo piedad, hay dedos que son confundidos con hongos comestibles. Holanda no es todo queso, ya ves. Ambas películas suponen el uso de FX tanto como sea posible.

12.  Para cerrar, ¿qué consejo le darías al pibe que quiere empezar a filmar?

¡Nunca te des por vencido, y trata de ser fiel a tu propia visión hasta el final! , y lo último, no le tengas miedo al trabajo duro.